Un chef-d’œuvre immense mais intime. Un style apparemment simple mais profond. L’artiste américain Mark Rothko (1903-1970) était un artiste de contrastes. L’histoire de l’art en a fait l’un des grands maîtres de l’expressionnisme abstrait, aux côtés de Jackson Pollock et de Willem de Kooning. Mais tout au long de sa carrière, il a développé un langage pictural très personnel et inimitable. C’est l’une des leçons les plus évidentes de la rétrospective exceptionnelle consacrée à Rothko par la Fondation Louis Vuitton.
Cette importante institution culturelle privée, située dans la forêt de Boulogne (à l’ouest de Paris), expose jusqu’au début avril 115 tableaux d’un des plus grands artistes de la seconde moitié du XXe siècle. Beaucoup d’entre eux sont arrivés en Europe depuis des musées américains et 13 sont issus de collections privées. Non seulement c’est la plus grande exposition consacrée à Rothko depuis des décennies en France, mais c’est également l’une des plus remarquables de cet automne et de cet hiver à Paris.
Soixante-dix ans après avoir atteint sa maturité artistique, les tableaux abstraits de Rothko continuent d’impressionner et de fasciner. Et pourtant, à l’époque, ils avaient été glissés par les critiques d’art. « Une sorte d’effet Mondrian de type fluide, en abandonnant les lignes et les contours », écrivait en 1950 le critique d’art Howard Devree dans le New York Times, comparant ses œuvres à celles de l’artiste néerlandais, un autre précurseur de l’abstraction picturale.
« L’élimination de tous les obstacles »
Un moment clé dans la carrière de Rothko a été lors de son abandon de la figure humaine et de toute réminiscence mimétique du réel. « Le travail du peintre évolue au fil du temps vers une plus grande clarté, vers l’élimination de tous les obstacles entre le peintre et l’idée, entre l’idée et le spectateur », a affirmé l’artiste américain en 1949 dans la revue The Tiger’s Eye. Ce processus l’a conduit à l’abstraction. Mais avant d’atteindre sa maturité artistique, il a traversé plusieurs décennies d’apprentissage, comme le montre évident cette rétrospective à Paris.
Né en 1903 d’une famille juive à Dvinsk (aujourd’hui en Lettonie) dans l’Empire russe, il a émigré aux États-Unis à l’âge de dix ans. Il a ensuite commencé ses études à l’université Yale, mais a rapidement abandonné pour aller vivre à New York et entamer une carrière d’artiste. La première salle de l’exposition est consacrée aux premiers tableaux peints dans les années 1930. Admirateur de Matisse, Rothko a tenté de représenter la modernité new-yorkaise à travers un style figuratif et expressionniste. « Je fais partie d’une génération très intéressée par la figure humaine. Mais elle n’est pas compatible avec mes besoins. Lorsque je la représente, je la mutile », écrivait alors un Rothko frustré.
Ses premiers tableaux étaient loin d’être exceptionnels. Après cette première étape expressionniste, dans la décennie suivante, il s’est dédié à un art mythologique, manifestement influencé par Picasso. Son style oscillait entre symbolisme et surréalisme, très en vogue à cette époque. Cela se reflète dans des œuvres telles qu’Antigone en 1941 ou Le Sacrifice d’Iphigénie en 1942. Cependant, même à cette époque, on pouvait déjà remarquer dans ses œuvres les caractéristiques qui allaient définir son style abstrait quelques années plus tard. Par exemple, une certaine propension à la technique du sfumato et une peinture diffuse, voire atmosphérique.
Un langage pictural unique mais universel
C’est à partir des années 1950 que Rothko a abandonné complètement la figuration pour adopter son style abstrait distinctif. Il a peint d’innombrables compositions avec trois rectangles horizontaux sur un fond d’une autre variation chromatique. Ces tableaux sont devenus encore plus grands. Il n’a plus non plus donné de titres à ses créations. À la Fondation Louis Vuitton, on peut admirer des dizaines d’œuvres de cette « période classique », selon les spécialistes de Rothko. Mais l’artiste américain, quant à lui, n’aimait pas parler de son art. Il préférait que celui-ci communique directement avec le spectateur.
Les tableaux pour les Four Seasons
« J’ai enclos la violence la plus absolue dans chaque centimètre de sa surface », écrivait Rothko à l’apogée de sa maturité artistique. Avec cette citation, rappelée dans l’exposition, il semblait résumer la célèbre dualité entre l’apollinien (l’ordre et la symétrie) et le dionysiaque (l’extase et la violence) théorisée par Friedrich Nietzsche. Dans ces années-là, l’artiste américain était également un lecteur assidu du théologien danois Søren Kierkegaard, l’un des précurseurs de la pensée existentialiste au XIXe siècle. Avec son art abstrait, Rothko ne cherche pas l’authenticité formelle, mais à interroger sur la condition humaine. Ses tableaux ont valeur de musique picturale et offrent un voyage contemplatif aussi pertinent pour les esprits croyants que pour les sensibles non-initiés.
Un autre succès de l’exposition est de montrer les variations et les changements qui ont eu lieu au cours de cette période « classique ». Une salle est dédiée aux gigantesques tableaux que Rothko a peints pour le restaurant de New York The Four Seasons, finalement exposés dans une salle spéciale à la Tate Modern de Londres où ils sont comparés à ceux de William Turner (1775-1851), un autre artiste que le peintre américain admirait énormément. Ces toiles peintes de rectangles verticaux noirs et de différentes nuances de grenat sont parmi les plus puissantes de toute l’exposition, tout comme une autre salle présentant des tableaux peints uniquement avec des variations de noir et de marron. Sans aucun doute, une démonstration du talent de Rothko, capable de développer un langage pictural universel. Un véritable génie que l’on peut venir contempler à Paris jusqu’au 2 avril.
source : Diario Córdoba
